Bitte zurücktreten!

Ein illuminiertes Riesenrad, fotographiert in der Abenddämmerung. Durch die lange Belichtungszeit von sechs Sekunden zeichnen die Lampen an den Streben des Rads farbige Kreise in das Bild.

Doch auch wenn das Riesenrad die Hauptattraktion ist und seine hellen Lichter zunächst die Blicke auf sich ziehen – das Foto ist damit noch lange nicht beschrieben. Denn eigentlich deckt das Fahrgeschäft nur einen kleinen Teil der Bildfläche ab und steht ziemlich weit im Hintergrund. Hat man sich an den leuchtenden Kreisen einmal sattgesehen und sich an die Dunkelheit gewöhnt, so beginnt der Blick zu schweifen, findet das helle Boot im Vordergrund und folgt von dort der Tiefenstaffelung, die immer weiter in das Bild hineinführt. Ein angeschnittenes Schild weist das Szenario als Bootsvermietung aus, in zwei Reihen sind die unbemannten Tret- und Motorboote nach Feierabend am Steg festgemacht. Auch das Wasser des Flusses ist menschenleer und spiegelt nur die Lichter. Auf der Brücke sind die Spuren einiger Autos und eines fahrenden Trams zu sehen. Das Bild reicht bis zum eindunkelnden Himmel über dem bewaldeten Bergkamm im Hintergrund.

Das Setting ist durchaus komplex. Es ist düster und geheimnisvoll. Der Blick geht auf die Suche: Dass das blau-violette Licht des Riesenrads das Bild so dominiert, liegt nicht zuletzt daran, dass keine menschliche Aktivität die Aufmerksamkeit auf sich zieht – es scheint fast, als hätte das grosse Rad alles Leben hypnotisiert, magisch angezogen und in sich aufgenommen.

Zu den spannenden Faktoren bei der Fotographie unter freiem Himmel zählt auf jeden Fall der Mangel an Kontrolle. Die Wesen und Dinge, die man fotographieren möchte, folgen ihrer eigensinnigen Logik, und man muss sich ihnen anbequemen, sie studieren, sich an ihnen unermüdlich ausprobieren und dabei auch das Glück herausfordern. Zudem empfiehlt es sich, offen zu sein für unerwartete Ereignisse und Effekte.

Bei diesem Bild schien es mir wichtig, durch die Lichtspur eines auf der Brücke fahrenden Trams ein kleines leuchtendes Gegengewicht zum übermächtigen Riesenrad im Bild zu haben. Das Foto konnte also nur in den kurzen Momenten gemacht werden, in denen ein Tram über das Ende der Brücke fuhr. Gleichzeitig musste das Riesenrad sich drehen, was natürlich nicht immer der Fall war: Vielmehr dreht sich ein Riesenrad nur eine Weile, dann steht es eine Weile lang still. Wenn sich das Rad nicht dreht, funktioniert das Bild nicht. Wenn sich das Rad dreht, aber es fährt gerade kein Tram vorbei, funktioniert das Bild auch nicht richtig. Und wenn ein Tram fährt UND sich das Rad dreht – in welchen Farben leuchtet es dann? Das Riesenrad konnte eine Vielfalt an Farben und Mustern darstellen, die ich einfach so annehmen musste, wie sie kamen.

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Stadt in Hypnose (Variante in gelb-rot): Blick auf das illuminierte Riesenrad am Bürkliplatz, Zürich, 27.04.2023

Das für mich ganz und gar Unerwartete war nun, das ausgerechnet die Farbkombination, die sich am wenigsten vom Zwielicht der beginnenden blauen Stunde abhob, die mit Abstand faszinierendste Bildwirkung erzeugte. Ich füge hier zur Illustration ein anderes Foto aus dieser Reihe ein, bei dem das Riesenrad in spanischen Farben erstrahlt. Dieses buntere Bild wirkt belanglos verglichen mit der Version, die ich hier bespreche – und auf diese Idee wäre ich im Vorfeld nicht gekommen. Erst die sich über das ganze Bild erstreckende, einheitlich bläuliche Lichtstimmung lässt das Riesenrad so auratisch und mächtig wirken.

Dass es bei der Besprechung eines Riesenrad-Fotos überhaupt so viel zu sehen, zu entdecken und zu hinterfragen gibt, ist das eigentlich Spannende – es ist das Ergebnis eines Lernprozesses, den ich als Fotograph in den letzten Jahren durchlaufen habe. Die Lehre, die es zu erkennen und zu verinnerlichen galt, ist kontra-intuitiv: Ich sehe etwas Schönes, etwas Spektakuläres, vielleicht sogar Leuchtendes, ich will es natürlich ganz aus der Nähe betrachten, aber das Kommando lautet: «Bitte zurücktreten!»

Als ich – ziemlich genau sieben Jahre zuvor – das erste Mal ein illuminiertes Riesenrad fotographieren wollte, sah das originellste Bild am Schluss so aus:

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Power-Flower: Riesenrad am Bürkliplatz, Zürich, 14.04.2016

Ich hatte gerade mein erstes Stativ gekauft und realisiert, dass man damit in der Dämmerung Lichtspuren auf dem Sensor einfangen kann. Dieser Effekt hatte mich so begeistert und geblendet, dass ich wie ein blöder Tourist auf das Riesenrad zugelaufen war, um es bildfüllend zu fotographieren. Das Ergebnis ist genauso oberflächlich wie der Lichteffekt des Fahrgeschäfts selbst. Der klägliche Versuch, durch die bodennahe Position der Kamera eine etwas originellere Perspektive zu generieren, kann daran nichts ändern. Dieses Bild schafft weder neue Bezüge oder Einsichten, noch erzählt es eine Geschichte, die den Betrachter fesseln könnte.

Auch die Titel meiner Riesenrad-Bilder reflektieren den Fortschritt, den ich in dieser Hinsicht gemacht habe: Während «Power-Flower» als Titel für das frühe Bild nur ein kleines Wortspiel ist, das sich auf den Anblick des Riesenrads selbst bezieht, ist «Stadt in Hypnose» ein Titel, der sich damit beschäftigt, wie das Riesenrad auf seine Umgebung ausstrahlt. Ergo: «Bitte zurücktreten!»

Aber auch das Gegenteil ist natürlich eine Option. Näher herantreten, hineinzoomen, ein Detail isolieren und dadurch Verwirrung stiften. Dieses alternative Vorgehen ist leichter und ich habe es mir viel eher angeeignet. Ich illustriere das hier mit zwei Beispielen aus dem Jahr 2014, da hatte ich das Fotographieren erst wenige Monate zuvor für mich (wieder)entdeckt:

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Hand und Fuss: „Der Sportler“ aus der Figurengruppe des Brunnens der Generationen von Rolf Biebl, Helene-Weigel-Platz, Berlin-Marzahn, 24.09.2014

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Gesicht: Monument als castellers, Rambla Nova de Tarragona, 09.10.2014

Das Zurücktreten hingegen ist nicht nur kontra-intuitiv, weil man dem Objekt der Begierde erst einmal den Rücken zukehren und sich von ihm entfernen muss – es ist auch anspruchsvoller, weil es einem Entscheidungen abverlangt: Will man sich auf eine Sache zubewegen, ist der Weg meistens klar; sollte man sich aber von einer Sache wegbewegen, muss man sein Ziel erst noch finden. Wie lässt sich ein Objekt am Geschicktesten in die grössere Stadtlandschaft einbinden? Mit welchen anderen Objekten oder Ereignissen lässt es sich kontrastieren oder auf andere Art in Verbindung setzen? Dafür braucht man jedes Mal aufs Neue eine Idee, die ein Bild mit erzählerischem Potential entstehen lässt. Und manchmal braucht man auch ein Auge für flüchtige Gelegenheiten, und die Spontaneität, sie zu ergreifen.

Zum Jahreswechsel 2023/24 wurden in Zürich die historischen Kirchen und einige andere Gebäude unter dem Titel «LiechtTräum» mit von Künstlern geschaffenen Motiven bestrahlt. Am Abend des zweiten Januar war ich mit dem Stativ unterwegs, um zwei dieser Werke einzufangen.

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2x2: Das Grossmünster als Teil der "LiechtTräum": "Come together" vom Zürcher Künstler Oibel1, Zürich, 02.01.2024

Mein Bild «2x2» zeigt die zwei Türme des Grossmünsters, vom Zürcher Künstler Oibel1 bespielt, auf die stilisierte Gesichter projiziert sind, und stellt sie zwei Frauen gegenüber, die am anderen Ufer miteinander tuscheln. Was sagt die eine zur anderen? In welchem Verhältnis stehen diese beiden ‘Teams’ zueinander?

Die Belichtungszeit betrug zehn Sekunden. Ich hatte das Glück, dass die beiden menschlichen Akteure sich an meiner Kamera nicht störten und sich kaum bewegten, solange der Verschluss geöffnet war. Solche günstigen Fügungen ergeben sich viel häufiger, als man glauben möchte. Deshalb kehrt man des Öfteren mit unerwarteten Bildern zurück, immer ein beglückendes Erlebnis.

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Flügel der Zeit: Die Kirche St. Peter als Teil der "LiechtTräum": "Nachtfalter" von Maja Hürst, Zürich, 02.01.2024

Das Foto von der Kirche St. Peter, das ich mit dem kitschigen Titel «Flügel der Zeit» bedacht habe, zeigt die Projektion «Nachtfalter» von Maja Hürst. Meine Idee war, das Kunstwerk in einem lebendigen Rahmen zu zeigen. Dadurch wird einerseits eine langweilige Darstellung vermieden, in der der Turm einsam vor dem nächtlichen Himmel steht. Andererseits versetzt der Rahmen aus Baumstamm und Ästen das der Fauna unseres Planeten entnommene Motiv zurück in seine Biosphäre. Vielleicht ein Plädoyer dafür, die Zeit zu nutzen – solange sie uns noch nicht um die Ohren fliegt –, um wieder mehr Natur in unsere Städte zu holen?

Das Bild «Stadt in Hypnose», mit dem ich diesen Beitrag begonnen habe, hat übrigens einiges mit diesen beiden Bildern aus den «LiechtTräum» gemein: Nicht nur sind alle drei Bilder abends in der Blauen Stunde entstanden und zeigen illuminierte Objekte, sie sind auch alle in Zürich über die Limmat hinweg fotographiert, nutzen also den weiten Raum und die Brücken, die sich dem Fluss inmitten der dichten Stadtlandschaft verdanken. Man muss nur aufpassen, dass man beim «Zurücktreten» nicht ins Wasser fällt … jz

Ein simples Bild

Das Alfred-Escher-Denkmal steht mitten auf dem Zürcher Bahnhofplatz. Tag für Tag haben es Tausende und Abertausende von Menschen in ihrem Blickfeld und viele laufen ständig im Abstand von wenigen Metern daran vorbei. Zeigt man diesen Menschen aber das Foto, von dem dieser Post handelt, wird die überwältigende Mehrheit behaupten: Nein, keine Ahnung, nie gesehn.

So teilt das Denkmal das Schicksal vieler älterer Monumente im öffentlichen Raum. Es ist stets im Blick und wird doch nie gesehen. Die Gründe sind offensichtlich: Die Aufmerksamkeit der Passanten ist darauf gerichtet, sich durch all die anderen Menschen schlängelnd einen Weg zu finden, Ästhetik und Symbolik des Denkmals sind veraltet und nicht mehr verständlich, es repräsentiert auch kein aktuelles Thema und stellt keine Provokation dar. (Letzteres gilt für den Moment, für Escher, für die Schweiz – in den USA haben kürzlich etliche Denkmäler im Zuge der Black-Lifes-Matter-Bewegung einige Aufmerksamkeit erhalten …)

Das Foto «Escher und sein Erbe» ist auf den ersten Blick ein simples Bild. Es steckt jedoch einiges an Denksport dahinter – davon soll hier gehandelt werden.

Alfred Escher war der bedeutendste Wirtschaftsführer und einer der wichtigsten Politiker der Schweiz im 19. Jahrhundert. Er wirkte von Zürich aus – und setzte sich auch sehr dezidiert für die Zürcher Interessen ein. Ich hatte die Gelegenheit, für ein grosses, in Zürich beheimatetes Unternehmen dessen Gründungsurkunde in Form eines edlen Bildbandes neu zu edieren. Da Escher in diese Firmengründung involviert war, benötigte ich auch zu ihm Bildmaterial und wollte neben einem zeitgenössischen Portrait auch eine aktuelle Fotographie seines Denkmals zeigen.

Allerdings ist dieses Denkmal schwierig in Szene zu setzen und die allermeisten Bilder, die man findet, sind ästhetisch unansehnlich und lassen Symbolkraft und Raffinesse vermissen. Um die Probleme, die dieses Foto-Sujet bereitet, anschaulich zu machen, füge ich hier eine den Wikimedia Commons entnommene Standardansicht des Zürcher Bahnhofplatzes an (ein Mausklick vergrössert das Bild in einer Lightbox); man sieht das Escher-Denkmal in der Mitte auf seinem Sockel.

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Ansicht des Zürcher Bahnhofplatzes mit dem Alfred-Escher-Denkmal im Zentrum: Wikimedia Commons, Fotograph: Dietmar Rabich, 04.08.2011 ("Zürich (Schweiz), Bahnhof -- 2011 -- 1386" / CC BY-SA 4.0)

Dieser Sockel ist sehr hoch, so dass es wenig Sinn macht, das Denkmal aus der Nähe zu fotographieren: Man muss einen zu steilen Winkel nach oben wählen, wodurch die Gestalt der eigentlichen Statue weit über Gebühr zusammengestaucht wird. – Tritt man aber weiter zurück, machen einem bald die zahllosen Drähte der Oberleitungen im wörtlichen Sinn einen Strich durch die Rechnung. Das Oberleitungsnetz ist hier sehr dicht, da vor dem Bahnhof, wie nicht anders zu erwarten, verschiedene Tram- und Buslinien zusammenkommen.

Will man, was wohl der natürliche Impuls ist, das Denkmal von vorne zeigen, stellt man fest, dass die dahinter ins Bild rückende Bahnhofsfassade einen sehr unruhigen Hintergrund bildet, der auch farblich wenig Kontrast zum eigentlichen Hauptmotiv bietet. Der grosse Sockel des Denkmals, mit seinem Brunnen, tut ein Übriges, um vom Standbild Eschers abzulenken – und wirkt besonders altmodisch.

Aus diesem Befund ergab sich meine Wunschliste für ein eigenes Foto des Alfred-Escher-Denkmals:

• Sockel und Brunnen weglassen, damit die eigentliche Statue und somit Escher als Person in den Mittelpunkt rückt,

• das Standbild aus grösserer Entfernung fotographieren, damit seine wirklichen Proportionen zur Geltung kommen können,

• die unvermeidlichen Oberleitungen so in das Bild integrieren, dass sie ganz klar Teil der Komposition sind (dazu gehört, dass sie weder Kopf noch Hände des Standbilds schneiden, aber klar und deutlich sichtbar sind und das Bild auf eine interessante Weise strukturieren),

• das Standbild von der Seite, in der Profilansicht, abbilden, um einerseits eine ungewöhnliche Perspektive zu gewinnen und andererseits einen besseren Hintergrund zu bekommen als die unruhige Bahnhofsfassade (nicht umsonst galt übrigens die Profilansicht lange als besonders würdevoll),

• Alfred Eschers Leben und Wirken durch sichtbare Motive und Symbole illustrieren – sowie durch vom Bild selbst nahegelegte Fragen und Antworten.

Wie dieser letzte Punkt der Wunschliste umgesetzt werden konnte, zeigt sich in einer kurzen Bildbeschreibung des Endresultats «Escher und sein Erbe»:

«Das Alfred-Escher-Denkmal am Zürcher Bahnhofplatz: vom Bildhauer Richard Kissling gestaltet und 1889 aufgestellt. Im Hintergrund sieht man das Hauptgebäude der ETH, die dank Eschers intensiver Bemühungen in Zürich gegründet wurde. Im Vordergrund wird das Bild durchquert vom dichten Gewirr der Oberleitungen für den öffentlichen Nahverkehr – gewissermassen die Fortsetzung von Eschers Eisenbahnbau und Verkehrspolitik. Die Statue blickt die Zürcher Bahnhofstrasse hinab, in Richtung Paradeplatz. Dort befindet sich der Hauptsitz der Grossbank Credit Suisse, deren Gründung ebenfalls auf Escher zurückgeht.»

Die Frage nach der Blickrichtung der Statue, die den wichtigen Verweis auf das von Escher gegründete Bankhaus ermöglicht, ergibt sich zwanglos aus der Profilansicht und dem sich nach rechts hin öffnenden Raum.

Gesagt, getan. – Wenn es nur so einfach wäre… In den folgenden Abschnitten will ich von den Problemen der Umsetzung dieser Bildidee berichten.

Die Zeit: Natürlich sollte das Licht nicht zu harsch sein und sein Winkel nicht zu steil. Und selbstverständlich sollte die Statue von vorne angeschienen werden, so das Gesicht und Hände im Licht liegen, während sich an der Rückenpartie Schatten zeigen, die das Bild kontrastreicher und spannender machen. Alles eine Frage des Sonnenstandes.

In der ersten Septemberhälfte, in der ich dieses Foto umsetzen wollte, ergab sich daraus als Tageszeit ganz klar der frühe Abend – auch bekannt als ‘Rush hour’, insbesondere wenn man sich direkt am Zürcher Hauptbahnhof aufzuhalten hat. Ich musste das Foto also inmitten zahlloser Menschen machen, die vor, hinter, neben mir vorüberströmten oder die aufs Tram warteten und mich derweil bei meiner Tätigkeit beobachteten. Und natürlich hatten diese Menschen auf dem Bild selbst nichts verloren.

Der Ort: Die gewählte Perspektive machte es nötig, den richtigen Fotographen-Standort auf den Millimeter genau zu treffen. Die hohe Frequenz des Verkehrs erlaubte kein Arbeiten auf der Strasse oder den Tramgeleisen, so dass nur der Perron der Tramhaltestelle die nötige Standfläche für das Stativ bot. Da der Erfolg der Bildidee entscheidend davon abhing, wie genau die Oberleitungen die Statue schneiden und die Himmelsflächen teilen würden, konnte jede noch so kleine Verschiebung oder Winkeländerung alles ruinieren. Ich fand meinen Ort exakt an der Kante des Perrons, so dass mich die einfahrenden Trams fast streiften – und die aussteigenden Fahrgäste mich jeweils fast über den Haufen rannten … Das Gute an einem Stativ ist, dass es auf die meisten Menschen sehr respekteinflössend wirkt, so dass sie versuchen, einen grossen Bogen darum zu machen.

Das Foto konnte in den kurzen Zeitfenstern gemacht werden, in denen gerade kein Tram einfuhr oder hielt. Nur dann war die Sicht auf das Denkmal frei.

Der Ausschnitt: Mit der Nikon D850 stand mir eine Kamera mit enormer Auflösung zur Verfügung, was auch Spielräume für ein nachträgliches Beschneiden des Bildes öffnet. Ich begnügte mich mit einer Brennweite von 200mm, da mein Nikon 70–200mm 1:2,8 Objektiv eine herausragende Abbildungsqualität erreicht. Diese Kombination aus Vollformatsensor und 200mm Brennweite ergab einen etwas zu grossen Bildausschnitt, wie er in der «Out-of-Camera»-Abbildung zu sehen ist.

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Escher und sein Erbe (out of camera): Rechts begrenzt ein nach dem Grossbrand beim Zürcher Bahnhofplatz (Nacht auf den 25. August 2018) errichtetes Baugerüst den nutzbaren Bildausschnitt, 12.09.2019

Das Bild musste also beschnitten werden. Für einen cleanen Look wurde unten der Sockel des Standbilds komplett aus dem Bild genommen.

Auf der rechten Seite musste natürlich das Baugerüst weichen, um Alfred Escher freie Sicht zu verschaffen. Ärgerlicherweise schränkte das eingepackte Gebäude den möglichen Crop-Bereich im Jahr 2019 zusätzlich ein, ein wenig mehr Raum auf der rechten Seite wäre mir willkommen gewesen. Das Gerüst liess sich aber nicht wegzaubern – es zeugte noch vom Jahrhundertfeuer am Zürcher Bahnhofplatz, bei dem in der Nacht auf den 25. August 2018 der Gebäudekomplex an der Ecke Bahnhofplatz/Bahnhofquai lichterloh in Flammen stand. Für die Renovation des denkmalgeschützten Baus wurde das Gerüst mit dem riesigen Notdach errichtet.

Spannend war es, verschiedene Beschneidungen oberhalb von Eschers Scheitel auszuprobieren: Dabei zeigte sich, dass die Wahrnehmung der Escherfigur stark davon abhängt, wie viel Raum über seinem Kopf gelassen wird. Verzichtet man ganz auf diese Beschneidung, wird Escher von den Oberleitungen überragt und wirkt fast ein wenig verloren. Ein Schnitt nur knapp über dem Kopf hingegen lässt die Gestalt dominant und majestätisch erscheinen – für meinen Zweck das Richtige.

Zum Abschluss möchte ich nochmals auf Fragen der Zeit und des Lichts zurückkommen. Schliesslich gibt es nicht nur Tageszeiten, sondern ganz unterschiedliche Tage. Und es gibt nicht nur Sonnenstände, sondern auch Wolken, die sich der Sonne in den Weg stellen können …

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Standhaft: «Athene bewaffnet den Krieger» von Karl Heinrich Möller, 1851 / Baukräne, Berlin-Mitte, 25.09.2014

Der Himmel: Fotographiert man Kunst im öffentlichen Raum, so ist ein blauer Himmel nicht zwingend erste Wahl. Wolken wirken als eine gigantische Softbox, die ein weiches, gleichmässiges Licht erzeugt. Als Beispiel führe ich mein Bild mit dem Titel «Standhaft» an, das hier eingefügt ist. Ein blauer Himmel und harte Schatten würden zu einer ganz anderen Stimmung führen: Mein Verdacht ist, dass dem Bild damit seine Faszinationskraft genommen würde, die sich ja gerade aus dem Einbrechen der signalfarbenen Kräne in die sonst so ruhige, monochrome Darstellung ergibt.

Auch bei meiner ersten Expedition zum Alfred-Escher-Denkmal war der Himmel stark bewölkt und ich sah darin keinen Hinderungsgrund. Ich wollte zunächst verschiedene Perspektiven ausprobieren und so meinen Standort finden – hatte aber auch die Hoffnung, ich könnte mit etwas Glück auf dem Heimweg das Bild schon im Kasten haben. Es zeigte sich vor Ort aber schnell, dass dieser Himmel nicht passend war.

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Alfred-Escher-Denkmal: Probeaufnahme bei bedecktem Himmel, 01.09.2019

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Escher und sein Erbe: Finale Version, wie sie auch diesem Blog-Post vorangestellt ist, 12.09.2019

Die hier links vom späteren Endergebnis gezeigte Probeaufnahme sollte das nachvollziehbar machen. Die Gestalt Eschers, die ja von Tatkraft zeugen soll, braucht die Leuchtkraft und die Kontraste, die erst durch direkte Sonneneinstrahlung entstehen. Die für das Bild inhaltlich bedeutsame Fassade der ETH säuft einfach ab, wenn sie nicht beschienen wird; und schliesslich tut diesem Bild auch etwas Farbe gut, die hier aber nur ein blauer Himmel liefern kann.

Ich begnügte mich im ersten Anlauf also mit dem Erkunden der Perspektiven und möglicher Standorte und machte einige Probeaufnahmen. Dann wartete ich auf einen gleichmässig blauen Himmel, bis ich schliesslich anderthalb Wochen später wieder mit Kamera und Stativ vor Ort war.

Wichtig für die Bildwirkung ist dabei, dass nicht nur ein blauer Himmel gegeben war, sondern dass es auch keinerlei Schäfchenwolken oder Ähnliches gab, die nur Unruhe in die strengen Linien der Komposition gebracht – und damit vom eigentlichen Gegenstand des Bildes abgelenkt hätten.

In Lightroom habe ich an den Blau-Einstellungen noch ein bisschen gearbeitet, um den Himmel, sprich: Hintergrund besonders flächig wirken zu lassen.

Gesagt, getan. – Lange Rede, «simples» Bild. jz

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Alfred-Escher-Denkmal: Probeaufnahme mit anderer Grundidee – alt vs. neu –, im Vordergrund die Werbetafel an einem Tram, 01.09.2019

Im Weg? – Im Bild!

Das Ernst-Thälmann-Denkmal an der Greifswalder Straße im Berliner Ortsteil Prenzlauer Berg wurde in den Jahren 1981–1986 vom sowjetischen Bildhauer Lew Kerbel geschaffen. Ich fotographiere sehr gerne Kunst im öffentlichen Raum, und so stand dieses Monument aus dem letzten Jahrzehnt der DDR bei meinem Berlin-Aufenthalt im Sommer 2018 auf meinem Programm.

Der Ort ist eindrücklich und die geometrische Struktur des Bodens lädt förmlich dazu ein, die Weite des Platzes mit einem Weitwinkel-Objektiv aus einem spannenden Winkel zur Darstellung zu bringen. Schaut man genauer auf das Denkmal, so zeigt sich zudem, wie unterschiedlich dieses Kunstwerk heutzutage verstanden und behandelt wird: Führt einerseits die Verunstaltung durch zahlreiche Graffitis vor Augen, dass die Zeit der DDR längst abgelaufen ist, so lässt sich andererseits doch auch eine ganze Reihe niedergelegter Blumen entdecken, die davon zeugen, dass kommunistisches Denken auch heute noch seine Anhänger hat.

Zuerst war ich etwas ungehalten, als die Gruppe in den Platz hineinmarschierte, obwohl zu sehen war, dass ich gerade am Fotographieren war. Ich erinnerte mich aber an mein zu Beginn des Jahres gefasstes Vorhaben, bei Fotos von Stadtlandschaften oder Kunst im öffentlichen Raum wenn möglich die zufällig vorhandenen Personen in meine Bilder zu integrieren, statt immer um sie herumzufotographieren.

So war ich bereit, die sich plötzlich bietende Gelegenheit zu einem witzigen Bild zu nutzen: Die Frau hatte offensichtlich den Auftrag gefasst, die drei Freunde in einem Gruppenbild zu verewigen. Auf der Suche nach der besten Komposition schob sich die Gruppe immer näher an das Denkmal heran und liess dabei zunächst Fahrrad und Gepäck, dann sogar das Baby hinter sich zurück. jz

Wasser und Wissen

Ich gehöre nicht zu jenen Reisenden, die ihre Route im Voraus auf Streetview abklappern. In der Regel sind meine Vorbereitungen eher dürftig – und das ist keineswegs nur dem Zeitmangel geschuldet, sondern ist auch gewollt: Orte, an denen man nie zuvor gewesen ist, haben das Potenzial, einen zu überraschen, einen zu beeindrucken, manchmal sogar, einen richtig zu ‘erwischen’. Je uninformierter man ist, desto offener ist man für dieses Erleben.

Das Ganze hat natürlich auch eine Kehrseite. Man wird, geht man so unschuldig ins Rennen, unweigerlich das eine oder andere verpassen und ist anfälliger für eigentlich vermeidbare Missgeschicke. Und wenn das bereits für die Reise an sich gesagt werden kann, so gilt es umso mehr für die Reise-Fotographie. Auch hier bin ich nicht sehr akribisch – Ausnahmen bestätigen die Regel! – und bin daher nicht immer am richtigen Ort, und das auch noch meist zur falschen Zeit.

Ein drolliges Beispiel des Scheiterns an dieser halbinformierten Vorgehensweise, die dem Prinzip «sometimes you win, sometimes you lose» unterliegt, widerfuhr mir im Oktober 2018 in Bristol, im Südwesten von England. Ich verbrachte ein paar Tage bei Verwandten im nahegelegenen Bath, wo mir eine wunderbar herbstliche Aufnahme der berühmten Pulteney Bridge gelang. An zwei Tagen fuhr ich jeweils von dort aus nach Bristol, um mir auch diese Stadt anzuschauen, die ebenfalls eine Brücke – eine wesentlich grössere allerdings, die Clifton Suspension Bridge – ihr Wahrzeichen nennt.

Nach einem Blick auf die Stadtkarte hatte ich eine recht klare Vorstellung davon, von welchem Standort aus die klassischen Bilder dieser Brücke, mit den Lichtern der Stadt im Hintergrund, gemacht werden. Ich dachte mir, das wäre doch was für ein Blaue-Stunde-Foto, schaute auch tatsächlich kurz nach, wie die Blaue Stunde in Bristol an diesem Tag zeitlich zu liegen kam, und schleppte dann zusätzlich zur Kamera und zwei Objektiven den ganzen Tag lang das Stativ mit mir herum, um es dann gegen Abend am Rand des Parks jenseits Brücke aufzustellen.

Der Ort war der richtige. Die Zeit stimmte auch. Aber da war kein Wasser im Fluss! Der River Avon war nichts weiter als ein spärliches, trübes Rinnsal, das kraftlos und müde im breiten Flussbett unterging. Was hatte das zu bedeuten? Ich war völlig ahnungslos und dachte zunächst, man hätte den Fluss wohl aufgestaut, und verfluchte die Behörden, die das verbrochen hatten.

Der Anblick der grossartigen Brücke, die Aussicht von meinem erhöhten Standpunkt, vor dem der Fels fast senkrecht abfiel, das Mitverfolgen der Dämmerung, wie bei Anbruch der Dunkelheit die Lichter angingen, die Verfärbungen des Himmels – das alles versöhnte mich natürlich schnell mit meinem Schicksal. Und ich liess mir natürlich auch das Fotographieren nicht nehmen. Das Ergebnis ist diesem Bericht vorangestellt und zeichnet sich durch einen eklatanten Wassermangel aus … Ich könnte in die Tischplatte beissen, wenn ich mir vorstelle, wie schön dieses Bild mit einem randvollen Flussbett geworden wäre.

Erst der Taxifahrer, der mich später am Abend in Bath vom Bahnhof zurück zum Haus meiner Verwandten fuhr, klärte mich lachend darüber auf, dass es halt Ebbe gewesen sei, «low tide». Bristol liegt nahe am Meer, und es ist nicht so sehr der River Avon, sondern es sind die Gezeiten, die den Wasserstand unter der Brücke bestimmen.

Das hätte man natürlich wissen können. jz

Wer wartet, wird belohnt

Am Dienstag – es war der fünfte September 2017 und wir hatten schon einige Tage in San Francisco verbracht – war ich für einmal allein unterwegs. Mein Bruder hatte einen beruflichen Termin und ich hatte mir vorgenommen, einige der klassischen San-Francisco-Motive einzufangen: Den Kontrast alter und neuerer Gebäude im Financial District, das Cable Car auf den steilen Strassen, und schliesslich die Golden Gate Bridge, vom Baker Beach her gesehen.

Am Wochenende hatte die Rekordhitze die Schlagzeilen der Stadt beherrscht. Der Himmel war blank und blau, die Sonne brannte hernieder und der Schweiss ran nur so an uns herunter. Am Dienstag Vormittag war es immer noch das gleiche Bild, und der gleissende Himmel und die flirrende Luft machten es schwierig, die Transamerica Pyramid im Hintergrund zur Geltung zu bringen.

Ich hatte mir vorgenommen, das grüne Eckgebäude an der Kreuzung Columbus Avenue und Kearny Street mit der Transamerica Pyramid zu kontrastieren und hatte schon ziemlich genau im Kopf, wie dieses Bild aussehen sollte. Als ich die Columbus hinunterlief, musste ich allerdings rasch feststellen, dass jener kleine Bereich, der dieses Bild möglich gemacht hätte, mitten in einer grossen Baustelle lag, die zu allem Überfluss auch noch von einem grell-orangen Plastikzaun von erlesenster Scheusslichkeit eingefasst war. Mein Bild war somit gestorben, bevor ich das Stativ auch nur aufgestellt hatte.

Um nicht mit leeren Händen weiterziehen zu müssen, suchte ich einen anderen Platz, von dem aus ich die beiden Gebäude irgendwie in eine reizvolle Beziehung setzen könnte. Die einzige Möglichkeit bestand darin, sich direkt an die Kreuzung zu stellen, vor das sympathische Donut-Kaffee, wo sich gut frühstücken lässt.

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Ungleiche Nachbarn (II): Kreuzung Columbus Ave und Kearny St, im Hintergrund die Transamerica Pyramid, San Francisco, 05.09.2017

Ich war gezwungen, den extremsten Weitwinkel zu montieren, den ich zur Verfügung hatte. Um mir keine irreparablen Verzeichnungen einzuhandeln, richtete ich die Kamera horizontal aus, und schnitt die untere Bildhälfte, die natürlich nur Asphalt zeigt, in der Nachbearbeitung weg. Seinen speziellen Look erhält das Bild dadurch, dass es sich um eine Langzeitbelichtung von fünf Sekunden handelt, die durch einen starken Graufilter hindurch aufgenommen wurde.

Nach einem Spaziergang durch Chinatown machte ich mich auf in Richtung California Street, um dem San-Francisco-Motiv schlechthin meine eigene Version hinzuzufügen: Die Strasse steigt steil an und oberhalb einer Haltestelle ist es möglich, ein Bild zu schiessen, das im Vordergrund das berühmte Cable Car mit ein- bzw. aussteigenden Passagieren zeigt; dahinter tut sich der Blick die California Street hinab auf, und in der Mitte der Häuserschlucht erscheint im Hintergrund ein Pfeiler der Bay Bridge. Viel mehr SF geht nicht.

Mit meinem 105mm-Objektiv an der Nikon D500 hatte ich eine sehr gute Brennweite für diese Situation im Gepäck, und diesmal war auch weit und breit keine Baustelle im Weg.

Dafür war dieses Bild mit einer kleinen Mutprobe verbunden: Strassen haben bekanntlich die unangenehme Eigenschaft, von Autos befahren zu werden, und die California ist da keine Ausnahme. Der Standpunkt, von dem aus man die California hinabfotographieren kann, liegt aber logischerweise mitten auf der Strasse. Der Zeitraum, in dem das CableCar hält, ist kurz bemessen und muss genutzt werden. Es gilt also eine Lücke im Verkehr zu erwischen, auf die Fahrbahn zu sprinten, dort in Windeseile den richtigen Bildausschnitt zu finden, möglichst viele Bilder zu machen und dann – während das Cable Car direkt auf einen zurollt, wieder heile das rettende Ufer zu erreichen.

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San Francisco! (I): Cable Car in der California Street, im Hintergrund die Bay Bridge, San Francisco, 05.09.2017

Ich brauchte einige Durchgänge, bis ich mit meiner Ausbeute zufrieden war und habe mich sicher eine Stunde an dieser Stelle aufgehalten. Das Licht war gar nicht so verkehrt, es fiel hie und da auf die Fahrbahn und liess das Gebäude am Abschluss der California und ebenso die Bay Bridge schön hervortreten. Die Haltestelle des Cable Car hingegen lag im Schatten. Ich habe deshalb in der Nachbearbeitung diesen Bildbereich etwas aufgehellt, damit das Hauptmotiv besser ins Auge fällt.

Mit dem Bus ging es dann durch die ganze Stadt in Richtung Westen. Ziel war Baker Beach, der nördlichste Strandabschnitt an der Pazifik-Küste unterhalb des Golden Gate. Beim Blick aus dem Fenster sah ich plötzlich mehr und mehr Dunstschwaden auftauchen und über die Stadt ziehen. Kam jetzt tatsächlich der berüchtigte Sommernebel von San Francisco? Tiefhängende Wolken oder Nebelschwaden könnten meinem Bild von der Golden Gate Bridge zusätzlichen Reiz verleihen, dachte ich voller Vorfreude – als der Dunst aber immer dichter wurde und immer tiefer hing, je näher ich meinem Ziel kam, wurde ich etwas nervös. Der Bus spuckte mich auf einem grossen Parkplatz aus, und ich ging zu Fuss hinab in Richtung Meer. Ich muss zugeben, der Anblick, der mich dort erwartete, war entmutigend:

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Leben unter Nebel (Ankunft am Baker Beach): Die Golden Gate Bridge, vom Baker Beach aus (nicht) gesehen, San Francisco, 05.09.2017

Die Luft war trüb, das Licht war schwach und diffus, und die stolzen Brückenpfeiler steckten tief in der Nebelsuppe. Das war durchaus ein Erlebnis, aber ein starkes Foto war das nicht. Da ich nun aber einmal da war, zog ich die Schuhe aus, genoss das in meinem Leben so seltene Gefühl des Sandes um meine Füsse, atmete die Meeresluft ein und war schon bald wieder gut gestimmt. Die Kamera in der Hand lief ich langsam in Richtung der Brücke. Die 105mm Brennweite schienen weiterhin ideal zu sein, und so beliess ich es bei diesem Objektiv. Wie oben zu sehen ist, war der Strand an diesem Wochentag nur schwach bevölkert und manche Leute waren auch schon im Aufbruch begriffen. Auf meinem Weg kamen mir auch einige Fotographen entgegen, mit schweren Linsen und Stativen beladen und mit langen Gesichtern, sie hatten an diesem Tag ihr Foto nicht bekommen … Der eine oder andere warf mir einen mitleidigen Blick zu, nach dem Motto: «Der arme Kerl, der ist auch zur falschen Zeit am falschen Ort.»

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Pelikanparade: Pelikane am Baker Beach, San Francisco, 05.09.2017

Die Brücke blieb auch weiterhin verborgen, aber die Luft und damit auch die Nebelschwaden waren stets in Bewegung. Nicht ausgeschlossen also, dass sich noch etwas tun würde – ich jedenfalls würde mich so leicht nicht geschlagen geben: Beharrlichkeit ist eine meiner wenigen Tugenden.

Ich wartete. Pelikane flogen den Strand entlang und ich machte ein paar Fotos und erfreute mich daran, wie gut der Autofokus sie erfasste.

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Rothko, real: Das Meer, vom Baker Beach aus gesehen, San Francisco, 05.09.2017

Ich wartete. Weit draussen über dem Meer existierte eine lichte Stelle in der Wolkendecke, sie liess die Sonnenstrahlen hindurch und das Wasser glitzerte dort. Ich machte ein paar Aufnahmen von dieser Konstellation, sie sahen schon auf dem Bildschirm meiner Kamera aus, wie kleine Rothko-Gemälde in Grau.

Ich wandte mich immer wieder der Brücke zu. Der Nebel hatte sich ein wenig gehoben und ich versuchte ihn in seinem Kampf gegen die Brückenpfeiler zum Motiv zu erheben. Es war klar, dass das nur in Schwarzweiss funktionieren würde. Das Hochformat schien hier angemessen, um zu zeigen, wie hoch sich das Grau auftürmte und wie ohnmächtig die Brücke demgegenüber erschien.

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Nebelgrenze: Die Golden Gate Bridge, vom Baker Beach aus (nicht) gesehen, San Francisco, 05.09.2017

Ich wartete und hatte immerhin das Glück zu sehen, wie sich in einem vergleichsweise lichten Moment ein grosses und bunt beladenes Containerschiff unter der Golden Gate Bridge hindurchschob. Ein schönes Schauspiel und auf jeden Fall ein Foto wert …

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Das Goldene Tor: Containerschiff unter der Golden Gate Bridge, vom Baker Beach aus gesehen, San Francisco, 05.09.2017

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Point Bonita: Das Meer und die Küste nördlich des Golden Gate, vom Baker Beach aus gesehen, San Francisco, 05.09.2017

Ich wartete und machte derweil einige Aufnahmen von der Küste nördlich des Golden Gate, mit Point Bonita. Die nach oben hin immer dunklere Bewölkung liess die Bilder monochrom und dräuend aussehen.

Ich wartete, während das Containerschiff langsam auf den Ozean hinausglitt. Dabei bewegte es sich in Richtung jenes lichten Bereichs über dem Meer, der immer noch Bestand hatte. Ich hielt das Schiff rechts unten im Bild und verfolgte es so auf seinem Weg. Diese Bilder, die ich später mit «Aufbruch» betitelte, wären allein schon den Ausflug an den Baker Beach wert gewesen. Das Zusammenspiel von Wolken, Licht, Wasseroberfläche mit dem schweren Schiff als Motiv kann so wohl kaum jeden Tag eingefangen werden.

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Aufbruch (II): Containerschiff, vom Baker Beach aus gesehen, San Francisco, 05.09.2017

Ich wartete. Und plötzlich wurde ich belohnt: Der Wind frischte auf und die Nebelschwaden gerieten in schnellere Bewegung, sie hoben sich weiter, wurden durchlässig, und – für einige Sekunden nur – war sie in ihrer Gänze sichtbar: die Golden Gate Bridge!

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Wer wartet, wird belohnt (out of camera)

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Wer wartet, wird belohnt (finale Version)

Ich habe das Bild – es trägt natürlich den Titel «Wer wartet, wird belohnt» – hier out of camera und in seiner finalen Version, erst nach meiner Rückkehr aus den USA in Lightroom entwickelt, einander gegenübergestellt. Man sieht, wie dunstig die Luft war, auch wenn sie den Blick auf die Brücke kurz freigegeben hatte. Die Schärfe des Bildes wurde dadurch weniger gemindert, als man denken möchte, aber jede Farbintensität, die für die Golden Gate Bridge als Motiv einer Farbfotographie entscheidend wäre, fiel dem Nebel zum Opfer. Das ganze Bild wirkt, wie von einem grauen Schleier verhangen.

Ich experimentierte ein wenig damit, die Farben in der Software wieder hervorzuholen, aber das wollte nicht funktionieren. Vorsichtige Anpassungen änderten kaum etwas am dumpfen Gesamteindruck und stärkere Eingriffe wirkten unnatürlich. Es konnte ja auch nicht darum gehen, den Nebel wegzuzaubern – er gehört zu diesem Bild, das bei blauem Himmel wohl recht banal geworden wäre.

Wer wartet, wird belohnt (Detail)

Da mit den Farben nichts anzufangen war, lag die Konvertierung in ein Schwarzweissbild nahe – und tatsächlich: damit liess sich leichter arbeiten. Innerhalb einer halben Stunde kristallisierte sich eine finale Version heraus, der ich glücklich staunend gegenübersass – einer jener raren Momente in der kreativen Arbeit, in denen man auf das eigene Erzeugnis blickt und überhaupt nicht begreift, dass man das selber hervorgebracht hat.

Um dem Bild den letzten Schliff zu geben, räumte ich noch den Strand im Vordergrund auf. Der war zwar weitgehend sauber, aber gerade kleinste, kontrastreiche Objekte im Vordergrund können das Auge des Betrachters irritieren und beeinträchtigen dann den Gesamteindruck eines Bildes. Den einzigen grösseren, klar erkennbaren Gegenstand, der dort lag, mochte ich allerdings nicht wegstempeln: Der McDonald’s-Milkshake-Becher mit Plastikstrohhalm bleibt dem Bild erhalten und zeugt im Dialog mit der Golden Gate Bridge vom unerschöpflichen Reichtum amerikanischer Kultur … jz

Manual Focus

Weihnachten im Kreise der Familie … Eine gute Gelegenheit, mal wieder eine alte Kamera auszuprobieren, in diesem Fall eine Nikon F3. Sie stammt aus den frühen 1980er Jahren und ist quasi unkaputtbar. Ein paar passende Objektive dazu gab es im Nachlass meines verstorbenen Grossvaters.

Die klassische F3 hat zwar einen erstaunlich guten Belichtungsmesser, kennt aber noch keinen Autofokus. Man muss also jedes Bild durch Drehen am Objektiv «manuell» scharfstellen. Ich behaupte, das ist mir hier in jeder Hinsicht gelungen. Obiges Bild war das allererste, das ich mit dieser Kamera geschossen habe. jz

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Die Felder um Weßling: Weihnachten 2017

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Am Weßlinger See: Weihnachten 2017

Photobomb-Festival am Delicate Arch

Lügen durch Weglassen – in der Landschaftsfotographie ist das ohne Zweifel ein wichtiges künstlerisches Prinzip. Dazu gehört, dass Fotos stumm sind: Gerade an den berühmtesten Aussichtspunkten dieser Welt würde eine Tonspur oft die Erhabenheit der Natur an der unfreiwilligen Komik des Menschlich-Allzumenschlichen zerschellen lassen.

Im September 2017, auf einer grossen Reise durch den Südwesten der USA, verbrachten mein Bruder und ich einen Tag im Arches-Nationalpark in Utah. Nach einer abenteuerlichen Wanderung durch «Devils Garden» waren wir zwar schon ziemlich kaputt, aber es lockte noch der Anblick des Delicate Arch im Abendlicht. Dieser alleinstehende, mächtig und doch auch fragil wirkende Steinbogen wird von der Abendsonne angestrahlt und zum Leuchten gebracht. Es ist einer der spektakulärsten Anblicke, die die Geschichte unseres Planeten hat entstehen lassen.

Der Anstieg war länger und steiler, als gedacht – wir hatten schon einige Kilometer in den Knochen, und ich hatte natürlich mein Equipment inklusive Stativ im Rucksack. Auch war der Weg gut bevölkert, und man hatte Gelegenheit, sich darauf einzustellen, dass man am Ende nicht allein sein würde …

Oben angekommen, blickt man aus erhöhter Position in einen steinernen Kessel hinab, an dessen hinterem Ende der Delicate Arch steht. Es hat etwas von einem antiken griechischen Theater: Der Steinbogen als die Skene, das Bühnenhaus. Die Ränge waren bereits gut gefüllt, es gelang mir aber rasch, ein tolles Plätzchen für mich und mein Stativ zu finden. Die Vorstellung war in vollem Gang und die strategische Lage zunächst unübersichtlich, erst nach einigen Minuten gewann ich den Überblick über die teilnehmenden Parteien:

1) Die Plätze auf der rechten Seite, von wo aus man die beste Aufsicht auf die sonnenbeschienene Seite des Bogens hatte, waren von enthusiastischen Landschaftsfotographen besetzt. Sie kamen aus aller Herren Länder und sassen dicht an dicht am Hang, wie eine Kolonie brütender Seevögel, die Hälse gereckt und bisweilen in kleine Revierstreitigkeiten verstrickt. Fast alle mit Stativ, was für hochklassige Landschaftsfotos, zumal bei tiefstehender Sonne, auch benötigt wird. Hier liess auch ich mich nieder.

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Been there, done that: Touristin unter dem Delicate Arch im Arches NP, Utah, USA, 16.09.2017

2) Die linke Seite hingegen wurde dominiert von jenen Touristen, die näher an den Bogen gelangen wollten. Viele kamen aus dem asiatischen Raum – und sie wollten durchaus auch fotographieren, bzw. fotographiert werden: Einer nach dem anderen liefen sie an der Flanke des Kessels vor, stellten sich direkt unter den Bogen, warfen sich in Pose und warteten, bis ihre Begleitung das Foto gemacht hatte. «Been there, done that.»

Es wäre ihnen eigentlich zu gönnen gewesen, aber sie wurden Mal für Mal von der Flanke der Landschaftsfotographen lautstark und mit erstaunlicher Agressivität ausgebuht! Wer eine teure Kamera und ein Stativ besitzt, ist in der Regel männlich, oft gesetzten Alters und hat einiges an Geld verdient. Das geht dann in der Summe einher mit einem «gesteigerten» Selbstwertgefühl. Ich schwankte zwischen Belustigung und Fremdscham. Der Konstellation, dass eine Gruppe sich selbst mitten in der Landschaft sehen möchte, während die andere Gruppe die Landschaft unbevölkert in ihrer Erhabenheit abbilden möchte, ist der Konflikt natürlich innewohnend. Und jeder ist sich selbst der Nächste.

Man wird kaum fehlgehen in der Vermutung, dass diese Komödie hier täglich gegeben wird. An diesem Samstag allerdings kam eine dritte Gruppe hinzu und machte alles noch viel komplizierter:

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In Gottes Haus: Hochzeit am Delicate Arch im Arches NP, Utah, USA, 16.09.2017

3) Es wurde nämlich vor dem Delicate Arch geheiratet: Die Hochzeitsgesellschaft bestand aus allem was dazugehört: Braut und Bräutigam, Pfarrer, Hochzeitsfotograph, Freunde und Familie … Diese Gruppe hielt sich konstant in der Nähe des Bogens auf und verunmöglichte den Landschaftsfotographen dadurch das klassische Zielfoto vom Delicate Arch, in dem man den Bogen auf der rechten Seite des Bildes sieht, während sich links davon der weite Ausblick in die Landschaft öffnet. Das letzte Bild dieses Blog-Eintrags gibt den entsprechenden Bildausschnitt wieder. Da die Hochzeit vorüber und das Abendlicht fast erloschen war, hatte ich die Kamera etwas gedreht um vielleicht im verbliebenen Licht noch eine gute Aufnahme machen zu können, aber eine Handvoll Leute blieb immer noch im Bild.

In der Stunde davor, in der das Abendlicht sich noch seinem goldenen Höhepunkt näherte, stellte die Lage der Dinge die aufgebrachten Landschaftsfotographen vor eine Zerreissprobe zwischen ihrer Empörung (die den «ordinären» Touristen galt und sich in den geschilderten Buhrufen entlud) und dem anerzogenen Anstand, der verlangte, dass der Hochzeit und dem Brautpaar mit Respekt und Zuneigung begegnet werde.

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Ein sehr grosser Ehering: Brautpaar unter dem Delicate Arch im Arches NP, Utah, USA, 16.09.2017

Dementsprechend brandete im weiten Rund immer wieder Applaus auf, wenn ein Schritt der Hochzeitszeremonie begann oder abgeschlossen wurde oder sich Mitglieder der Gesellschaft zum Foto aufstellten – wohingegen, sobald sich wieder ein frecher Tourist vorwagte und unter den Steinbogen rannte, die Buhrufe einsetzen. So ging es hin und her: Buh! Buuuuh! Applaus, Applaus! Buuuuuh, Buh, Buuuh! Applaus! Buuu! Applaus, Applaus! Buuuuuuuh!

Ich selbst hatte rasch gemerkt, dass es keinen Sinn machte, sich auf das klassische Zielfoto zu versteifen und hatte den alternativen Bildausschnitt gewählt, mit dem Delicate Arch links im Bild, so wie es im Titelbild zu diesem Text zu sehen ist. Diese Komposition bietet etwas weniger Fernsicht, hat in der klaren Staffelung und den feinen Farben des Hintergrundes aber auch ihren Reiz. Der Vorteil an diesem Abend war auf jeden Fall, dass diess Bild immer wieder kurzfristig menschenleer war, wenn ein Tourist aus dem Bogen herausgelaufen und der nächste noch nicht dort eingetroffen war. Und gerade in jener kritischen Zeitspanne, in jenen vielleicht zwei Minuten, in denen die Abendsonne ihren Zauber zur Vollendung brachte, bevor er rasch in sich zusammenfiel – gerade in jener entscheidenden Zeitspanne war dieses Bild frei und leuchtete in ganzer Pracht. Und so kam ich in diesem bizarren Getümmel zu einer meiner schönsten Landschaftsaufnahmen.

Nun, da ich – längst wieder vor dem heimischen Computer sitzend – mich daran mache, dieses Erlebnis in eine schriftliche Form zu bringen, wird mir aber auch ein Versäumnis deutlich: Ich hätte nicht nur das grossartige Landschaftsfoto machen, sondern auch die hier so umständlich beschriebene Situation und die verschiedenen beteiligten Parteien mit Fotos dokumentieren sollen. Aus verschiedenen Blickwinkeln, in verschiedenen Bildgenres. Dann hätte sich an dieser Stelle ein viel bunter illustriertes Making-of veröffentlichen lassen. Ich bin mir allerdings nicht böse ob dieser Unterlassungssünde, schliesslich bin ich nur ein Hobbyfotograph und stecke selbst als ein solcher noch in den Kinderschuhen – aber man kann ja für die nächsten Projekte daraus lernen.

Dass ich meine Hauptkamera fest installiert und auf den gewählten Bildausschnitt ausgerichtet hatte, war sicherlich richtig so: Das Endresultat «Ohne Worte» spricht für sich, und dieses Bild gemacht zu haben, bedeutet mir viel. Und gerade in einer so verworrenen Situation muss man auch die Beharrlichkeit haben, auf den einen, den richtigen Moment zu warten. Aber ich hätte meine Zweitkamera dabeihaben und zu dokumentarischen Zwecken nutzen können oder ich hätte einfach meinen Bruder, der sowieso hin und herlief und sich vor Lachen kringelte ob all dieser Absurditäten, darauf ansetzen können, mit seinem Smartphone diverse Ansichten festzuhalten.

Das ist nicht geschehen, aber es bleibt auch so genug zurück: Ein nahezu perfektes Foto von einer der schönsten Landschaften unserer Erde, eine tolle und witzige Erinnerung, die ich mit meinem Bruder teile – und schliesslich eine kleine Lektion für die Zukunft. – Und zu guter Letzt vertraue ich als Germanist auch auf die Kraft der Sprache und hoffe, dass dieser Text vor dem inneren Auge des Lesers ein lebendiges – lärmiges! –  Bild entstehen lassen wird. jz

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Das eigentliche Zielbild: Hochzeitsgesellschaft und Touristen verunmöglichen die klassische Aufnahme vom Delicate Arch im Arches NP, Utah, USA, 16.09.2017

F5 lebt!

Fotographie war die grosse Leidenschaft von Herbert Weddigen. Und Herbert Weddigen war mein Grossvater. Als er 2002 im hohen Alter von 85 Jahren verstarb, hinterliess er an materiellen Dingen vor allem Kameras und Objektive. Ein paar davon gingen an mich, mit seiner Nikon F90X lernte ich die Spiegelreflex-Fotographie überhaupt erst richtig kennen.

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Abendschiff. Zürich, 01.01.2017.

Nun, vierzehn Jahre später, ist ein weiteres Stück aus seiner Hinterlassenschaft auf mich gekommen: Eine Nikon F5! Diese Kamera gilt bei vielen als die Königin der analogen Spiegelreflexkameras, als letzte ihrer Art noch konzipiert, bevor die digitale Fotographie auch bei den Profis ihren Siegeszug begann.

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Ganymed. Zürich, 01.01.2017.

Zwischen Weihnachten und Silvester 2016 kam ich endlich dazu, die Kamera genauer anzuschauen, sie einmal gründlich zu reinigen und zu versuchen, ihr nach fast anderthalb Jahrzehnten des Dornröschenschlafs neues Leben – in Form von acht Mignonzellen! – einzuhauchen. Hatte ich während des Reinigens noch das Gefühl, ich würde ein Dinosaurier-Skelett entstauben, änderte sich meine Wahrnehmung in dem Moment, als die beiden LCD-Screens das erste Mal aufleuchteten und das erste Klacken eines Spiegelschlags erklang. Mit einem Mal wirkte das Gerät, als sei es fabrikneu, völlig unverbraucht und tatendurstig …

Von diesem Eindruck inspiriert und um mich davon zu überzeugen, dass auch Verschluss und Belichtungsmesser immer noch funktionsfähig waren, legte ich am ersten Januar des neuen Jahres einen Kodak 200er Farbfilm mit 36 Bildern ein und ging mit der F5 auf einen kleinen Winterspaziergang der ganz einfach vom Zürcher Bürkliplatz dem See entlang zum Sechseläutenplatz und dann ein paar Strassenzüge bergauf- und stadteinwärts führte.

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My first Baby. Zürich, 01.01.2017.

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En guete! Zürich, 01.01.2017.

Die Bilder, mit denen dieser Beitrag illustriert ist, stammen alle von diesem Spaziergang und von diesem einen Film. Als ich die Patrone zum Foto-Geschäft brachte, lernte ich den neuen Standard-Workflow kennen: An das Entwickeln des Films schliesst sich gleich das Scannen der Negative und die Umwandlung der Farben in den digitalen Dateien an. Was man beim Abholen erhält, sind die entwickelten Negative und eine CD mit fertigen JPGs, die die Probe-Abzüge früherer Zeiten ersetzen und zugleich bereit sind für die weitere Verwendung in der digitalen Welt. Praktisch.

Die Bilddateien hatten zwar nur 6.3 Megapixel, aber das ist zumindest genug für die Publikation im Internet, wie man hier sieht. Ich werde aber noch in Erfahrung bringen müssen, ob da noch mehr geht in Sachen Auflösung, wahrscheinlich ist die sinnvolle Scan-Auflösung auch abhängig von Qualität und Art des verwendeten Films.

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Back to back. Zürich, 01.01.2017.

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Wer tanzt hier aus der Reihe? Zürich, 01.01.2017.

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Zu zweit auf weiter Flur. Zürich, 01.01.2017.

Das enorme Gewicht der F5 störte mich keine Sekunde. Gewiss ist es kein Gerät, das man mal eben so einsteckt, um für den Fall der Fälle eine Kamera dabeizuhaben; sobald man aber unterwegs ist, um zu fotographieren, und diese Tätigkeit im Mittelpunkt steht, wird man es geniessen, dieses nahezu perfekte Gehäuse in den Händen zu halten. Das Gewicht gibt einem sogar ein besonderes Vertrauen, auch bei längeren Belichtungszeiten verwacklungsfrei fotographieren zu können. Und es ist wirklich so, man kann.

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Passgeber. Zürich, 01.01.2017.

Als Objektiv hatte ich ein gewöhnliches AF NIKKOR 28–105mm 1:3.5–4.5 D aufgesetzt, es mag etwa so alt sein wie die Kamera selbst. Das Fotographieren ohne Bildschirm auf der Kamerarückseite hat nach kurzer Zeit durchaus etwas Befreiendes, zumindest, wenn man sich Fehler leisten kann, und keine perfekten Ergebnisse abliefern muss. Der Belichtungsmesser der F5 scheint aber sehr gut zu sein. Fast jedes Bild sieht so aus, wie ich mir das vorgestellt hatte.

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Kunst hinter Glas. Zürich, 01.01.2017.

Die begrenzte Anzahl Bilder auf einem Film gibt dem Druck auf den Auslöser ein ganz anderes Gewicht. Insbesondere, wenn der Bildzähler die 30er-Marke überschreitet, erscheint jedes noch verbleibende Bild wie eine kostbare Gelegenheit, die man auf keinen Fall vergeuden darf. Man erinnert sich an die Märchenfee, bei der man genau drei Wünsche frei hat – jetzt aber bloss nichts falsch machen!

Die Bilder, die ich hier zeige, sind gewiss keine Meisterwerke, sie können aber vielleicht immerhin demonstrieren, dass analoge Kleinbild-Fotos einen ganz anderen 'Appeal' haben als die beeindruckenden Dateien, wie sie eine moderne DSLR abliefert. Man muss der analogen Fotographie gewiss nicht nachtrauern – es gilt für sie jedoch wie für jede von der Zeit überholte Kunst oder Technik: Sie hat ihren ganz eigenen Reiz und damit auch ihr eigenes Recht.

Ich bin schon gespannt darauf, demnächst einen Schwarzweiss-Film auszuprobieren … jz

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Schräges Gefährt. Zürich, 01.01.2017.

Matterporn

Drei von vier Lebensjahrzehnten in der Schweiz verbracht und das Matterhorn noch nie aus der Nähe gesehen? Peinlicherweise war genau das meine Ausgangssituation … Also die Fotosachen eingepackt und auf nach Zermatt!

Mein Ziel war es, die Gegend in ein paar Wanderungen zu erkunden und mich in Landschaftsfotographie zu üben. Eine Inspirationsquelle war mir ein YouTube-Video des Berner Selfmade-Fotographen Stephan Wiesner, das ich an dieser Stelle gerne verlinke. Durch dieses Video habe ich erst vom Riffelsee als Foto-Location erfahren und im gleichen Zuge wichtige Informationen mitgenommen, ohne die ich wohl nicht zu meinen Morgenröte-Bildern gekommen wäre.

Nachdem ich am Sonntag angereist war und erste Bekanntschaft mit Zermatt geschlossen hatte, hiess es am Montag – es war bereits der 10. Oktober – das gute Wetter zu nutzen und den Gornergrat zu erobern. Zwei Stationen mit der berühmten Bergbahn bis zur Riffelalp, dann ging es zu Fuss weiter: Vor mir lagen eine Wanderung durch eine grossartige Landschaft und ca. 900 Höhenmeter, die mir gegen Ende hin ordentlich zu schaffen machen würden …

Dass ich kein geübter Wanderer bin, machte mir schon der Aufstieg zum Riffelberg klar, aber es war bei allem Keuchen und Schnaufen jederzeit ein grossartiges Gefühl. Abseits der Hauptsaison hatte ich die Wege häufig ganz für mich allein. Am Riffelberg bietet die Kapelle „Bruder Klaus“ einen schönen Vordergrund für Matterhorn-Aufnahmen. Der Himmel allerdings war zu diesem Zeitpunkt grösstenteils von dünnen Wolkenschwaden bedeckt, was meine Aufnahmen zunächst recht fad aussehen liess.

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Dem Himmel ganz nah: Das Matterhorn, im Vordergrund die Kapelle "Bruder Klaus", Riffelberg, 10.10.2016

Beim Bild „Dem Himmel ganz nah“ habe ich mich dafür entschieden, den Himmel durch eine starke Steigerung der Blau-Luminanz wieder zum Leben zu erwecken. Das Bild ist nicht ohne Reiz, auch wenn die Komposition sicherlich nicht perfekt ist. Der nun sehr dramatisch wirkende Himmel, der einen Grossteil der Bildfläche einnimmt, steht in einer eigentümlichen Spannung zur beschaulichen Landschaft im Vordergrund. Die schroffe Gebirgskette vermittelt zwischen diesen gegensätzlichen Bildteilen. Wirklich ausgewogen erscheint das Bild dennoch nicht.

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Jörg Zimmer fotographiert am Riffelsee, 10.10.2016

Die Wanderung ging weiter bergauf, zum Riffelsee, wo ich kurz nach halb vier eingetroffen sein muss. An diesem berühmten Ort, an dem sich das Matterhorn nicht nur von seiner schönsten Seite zeigt, sondern sich zudem im See spiegelt, ist man tagsüber wohl selten allein. Ich musste ein bisschen warten, bis eine gute Position frei war, kann konnte ich das Stativ aufbauen. Wohl eine Dreiviertelstunde lang machte ich Aufnahmen und wartete auf den einen perfekten Moment.

Um 16 Uhr 22 war es soweit: 1) Es war fast windstill und der See glatt genug, um eine schöne Spiegelung zu zeigen; 2) die Wanderwege im Mittelgrund waren menschenleer; 3) der Himmel zeigte genug Blau und eine interessante Wolkenlinie, die die imposante Wirkung des Matterhorns noch steigerte; 4) die Wolke an der Flanke des Matterhorns, die im Laufe des Nachmittags immer voluminöser geworden war und somit die meisten Bilder ruinierte, hatte sich zu einer spannenden, witzigen Form aufgeplustert – je nach Neigung des Betrachters erweckt sie hier den Eindruck, jemand hätte einen riesigen Schneeball auf das Matterhorn geworfen und das Foto zeige den Moment des Aufschlags, oder aber es handele sich beim Matterhorn um einen aktiven Vulkan … Daher der Bildtitel „Mattervulkan“.

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Mattervulkan: Das Matterhorn spiegelt sich im Riffelsee, 10.10.2016

Es folgte der letzte Aufstieg – zum Gornergrat auf 3100 Metern Höhe. Vom Riffelsee her kommend, ist es zwar ein steiler, aber kein übermässig langer Weg mehr. Lang genug allerdings, um mich an diesem Tag an meine Grenzen zu bringen. Ich war schon erschöpft genug von der ungewohnt langen Wanderung mit zwei Kameras und mehreren Objektiven im Gepäck – und auch von der konzentrierten Foto-Arbeit am See. Was aber wenigstens genauso ins Gewicht viel – und das hatte ich überhaupt nicht auf dem Schirm gehabt –, ist die Tatsache, dass auf 3000 Metern die Luft doch spürbar dünner wird. Irgendwann kriegte ich schlicht keine Luft mehr.

Ich stand nur noch 50 Meter unterhalb der Bergstation der Gornergratbahn und sah das Gebäude mit dem Kulmhotel und der Sternwarte dahinter – und ich konnte einfach nicht mehr … Ich musste die 50 Meter in fünf Etappen a 10 Meter unterteilen und dazwischen jeweils drei Minuten Pause machen. Über mir schwebte eine Kameradrohne, die interessiert auf mich herabspähte. Als ich dann doch oben angekommen war, zeigte sich, dass die Drohne zu einem indischen Filmteam gehörte, eine Tänzerin bereitete sich gerade auf ihren Einsatz vor der Alpenkulisse vor und das Fluggerät fing derweil Impressionen der Landschaft ein. Vielleicht bin ich demnächst – völlig ausser Atem und mit leidendem Gesichtsausdruck – für einige Sekunden in einem Bollywood-Film zu sehen, dann wohl als Symbol dafür, wie schwer diese Gipfel zu erklimmen sind …

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Jörg Zimmer im "Castor"-Zimmer des "3100 Kulmhotel Gornergrat": 12.10.2016

Am Dienstag Mittag machte ich mich von Zermatt aus erneut auf zum Gornergrat, diesmal allerdings fuhr ich mit der Bahn direkt bis zur Bergstation und checkte für eine Nacht im Kulmhotel ein. Mir wurde das Zimmer „Castor“ zugewiesen, wie alle Räume benannt nach einem Alpengipfel, der sich beim Blick aus dem Fenster betrachten liess. Die Wand-Dekoration, die auf dem Selfie zu sehen ist, besteht aus den Höhenlinien des Castor mit einem Stein vom Gifel dieses Berges in der Mitte.

Sinn dieser Übernachtung war es, am frühen Morgen an den Riffelsee zurückkehren zu können und das Matterhorn während des Sonnenaufgangs zu fotographieren. Da die Bahn zu dieser Zeit noch nicht fuhr und der Gedanke, bei Minusgraden allein in den Alpen zu campieren, keine Glücksgefühle in mir auslöste, blieb nur noch die Möglichkeit, die Nacht auf dem Gornergrat zu verbringen und von dort ca. eine Stunde vor der Morgenröte aufzubrechen, um zum See hinabzusteigen.

Das Wetter hatte unterdessen umgeschlagen, an diesem Dienstag war der Himmel mit dicken Wolken verhangen, vom Matterhorn war zur grossen Enttäuschung aller Touristen, die diesen Tag für ihren Ausflug zum Gornergrat gewählt hatten, rein gar nichts zu sehen, und ein leichter Schneefall hatte eingesetzt. Ich machte mir auch Sorgen, ob mein Plan wohl an der Witterung scheitern würde. Die Dame an der Rezeption machte mir Mut: Die Aussichten für den folgenden Tag seien sehr gut, es werde in der Nacht bestimmt aufklaren. Ich erhielt auch den sehr nützlichen Tipp, für meinen Abstieg einen anderen Weg zu wählen und angesichts der rutschigen Verhältnisse lieber der Skipiste auf der anderen Seite der Gleise zu folgen.

Ich wollte sichergehen, dass das auch klappen könnte, und dabei gleich das Timing proben. So ging ich die Strecke am Nachmittag bereits einmal ab. Die dünne Schneeschicht auf dem Gestein machte das Unternehmen deutlich unsicherer als es mir lieb war, aber nach einer knappen Dreiviertelstunde war ich am Riffelsee angekommen. Zu meinem Schrecken musste ich sehen, dass der See an den Rändern begonnen hatte zuzufrieren. In der eiskalten Nacht, die bevorstand, würde dieser Prozess gewiss rasch voranschreiten und wenn ich Pech hätte, dachte ich, stünde ich am nächsten Morgen vor einem vereisten See und hätte die Matterhorn-Reflexion somit verloren …

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Das weisse Dreieck: Ausblick auf das Alpenpanorama, in der Nähe der Bergbahn-Station Rotenboden, 11.10.2016

Ich nutzte die verbleibende Zeit bei Tageslicht, um auf der Höhe der Bahnstation Rotenboden spazieren zu gehen und den Blick auf die Gletscher und die gegenüberliegenden Gebirgszüge der Alpen auf mich wirken zu lassen. Das Bild „Das weisse Dreieck“ ist dabei entstanden. Es schien mir dabei minütlich immer noch kälter zu werden. Als ich zur Station zurückgekehrt war, um auf die letzte Bahn nach oben zu warten, bemerkte ich, dass in meiner Trinkflasche Eisklumpen schwammen.

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Jörg Zimmer friert an der Station Rotenboden ("Oh my God! They killed Kenny!"), 11.10.2016

Beim Abendessen im Kulmhotel war es deutlich gemütlicher, die Nacht dann schlaflos. Man sagt, es sei nicht leicht, auf dieser Höhe eine entspannte Nacht zu verbringen, bei mir kam allerdings die Aufregung vor meiner Foto-Mission hinzu – und die Angst eines chronischen Morgenmuffels, einen auf 05:25 gestellten Wecker schlichtweg zu verpennen! Ich glaube, ich habe kein Auge zugetan, dafür stand ich dann aber um halb sechs senkrecht im Bett und machte mich daran, mich so dick einzupacken, wie es nur ging. Der Weg hinab zum Riffelsee war an sich schon ein erhebendes Erlebnis. Die Wolken waren tatsächlich im Laufe der Nacht vom Wind vertrieben worden, ein klarer Sternenhimmel leuchtete über mir. Ich war mit Taschenlampe und Stirnleuchte ganz allein auf meinem Weg durch die Alpenlandschaft und meine Nervosität wich der Freude auf die ersten Sonnenstrahlen und die Bilder, die ich würde einfangen können.

Die erste Aufnahme machte ich um 07:01 Uhr. Ich stellte das Stativ noch einmal um, um die Perspektive zu optimieren, und nutzte – wie für Landschaftsaufnahmen üblich – Liveview und die einblendbare Horizontlinie für die genaue Bildkomposition. Mit dem Weitwinkel-Zoomobjektiv variierte ich die Brennweite und erprobte auch verschiedene Blenden und Belichtungszeiten, um Erfahrungen damit zu sammeln. Ich versuchte, die Bilder eher leicht unter- als überzubelichten, um in Lightroom alle Möglichkeiten zu haben. Zum Fokussieren und Auslösen nutzte ich den Touchscreen der Nikon D500, den man sehr schnell schätzen lernt.

Dann kamen die Farben: Zunächst nur als eine Ahnung, ein leichtes Band in der Luft, das dann begann intensiver zu leuchten, während es sich auf den Horizont herabsenkte. Das Bild „Morgenröte“ vermittelt diese Erfahrung. Ich zeige es hier in der dunklen Out-of-Camera-Version sowie in Lightroom entwickelt: Auf ein episches 16:9-Format beschnitten, aufgehellt, und mit Hilfe einer Kontrast-, Sättigungs- und Luminanz-Steigerung in Richtung Kalender-Ästhetik gerückt … Das Ergebnis mag als eine leichte Übertreibung erscheinen, aber im Grunde genommen kompensieren diese Schritte nur – so weit es geht – den Verlust des Erlebnisses vor Ort, das die Fotographie ja niemals einfangen kann; sie bleibt immer nur Bild.

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Morgenröte (out of camera): Das Matterhorn spiegelt sich im Riffelsee, 12.10.2016 (07:33)

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Morgenröte (entwickelt): Das Matterhorn spiegelt sich im Riffelsee, 12.10.2016 (07:33)

Wenn man genau hinsieht, kann man erkennen, wie hier schon die allerersten Sonnenstrahlen auf die Gipfel trafen, sie begannen nun, den Berg herabzusteigen und nach wenigen Minuten verflüchtigte sich das Farbspektrum bereits wieder und der Himmel begann schliesslich in einem intensiven Blau zu leuchten.

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Gipfelleuchten: Das Matterhorn spiegelt sich im Riffelsee, 12.10.2016 (07:49)

Um halb acht kam die erste Bahn an der Station Rotenboden an – und wenige Minuten später war ich nicht mehr allein. An die zehn Touristen aus aller Herren Länder gesellten sich mit ihren Kameras zu mir und fragten höflich nach, wie ich das denn geschafft hätte, vor ihnen hier zu sein. Das grosse Farbenspiel hatten sie zwar knapp verpasst, aber es gab immer noch gute Bilder zu machen, während die Sonne langsam die Berge eroberte.

Ich war zu diesem Zeitpunkt schon ordentlich durchgefroren: Wenn man sich bei Minusgraden kaum bewegt, weil man ganz auf seine Kamera fixiert ist, dann sind irgendwann auch vier Lagen Bergsportbekleidung nicht mehr in der Lage, einen vor dem Auskühlen zu bewahren. Ich musste anfangen, zwischen meinen Aufnahmen kleine Kreise zu laufen, um ein bisschen Wärme in mir zu schaffen.

Als das Schauspiel des Sonnenaufgangs vorbei war, trennte sich das kleine Fotographen-Grüppchen wieder auf und ich kehrte mit der nächsten Bahn völlig durchgefroren und kaputt in mein Hotelzimmer auf dem Gornergrat zurück. Unter der Dusche taute ich mich langsam wieder auf, und so lächerlich einfach meine Mission aus Sicht eines erfahrenen Bergsteigers oder eines professionellen Landschaftsfotographen auch sein mag – grosser Stolz und ein intensives Glücksgefühl breiteten sich in mir aus. Ich werde mich daran immer gut erinnern können. jz

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Das Matterhorn: Das Matterhorn spiegelt sich im Riffelsee, 12.10.2016 (07:58)

Aufgetaucht und abgedrückt

Ich will freimütig zugeben, dass es keine Absicht war. Der Schwan wollte partout nicht stillhalten und meine Begleiter waren schon wieder fünfzig Meter weiter. Es kümmerte niemanden, dass der Fotograph einmal mehr von einem Anblick gefesselt – stehengeblieben war.

Auch war der Schwan an anderen Dingen weit mehr interessiert als an einer schönen Portrait-Aufnahme und erkundete, Kopf unter Wasser, mit erratischen Bewegungen den Grund des flachen Gewässers. Nur ab und zu schnellte der Kopf kurz empor. Die Sonne des späten Nachmittags warf allerdings ein schönes Licht auf die Szenerie und das leicht bewegte Wasser. Ich musste es also wenigstens kurz versuchen.

Das Ergebnis bestand in einer Handvoll Bilder von jener Art, die man für gewöhnlich gleich in der Kamera wieder löscht, weil sie nichts taugen und nur Speicherplatz vergeuden. Bei einer Aufnahme jedoch – die ich „Aufgetaucht“ betitelt habe – brachte ich das nicht übers Herz. Hier stimmt ganz vieles, auch wenn der Zufall mitgeholfen hat. Stehenzubleiben und abzudrücken wird manchmal auch auf diese Weise belohnt.

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Aufgetaucht

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Luftschloss

Entstanden ist ein weitgehend monochromes Bild, das von der dunklen Schönheit des Wassers erzählt und nur im Zentrum des unteren Bereichs von einem Motiv als Blickfang geprägt wird. So ist durch pures Glück ein Gegenstück zu einem anderen Bild entstanden, das den Titel „Luftschloss“ trägt und von der Weite des Himmels handelt. Im Gegensatz zu „Aufgetaucht“ ist dieses Bild sehr planvoll entstanden. Es zeigt die Turmspitzen des Temple Expiatori del Sagrat Cor in Barcelona über den Wipfel eines Baumes hinweg fotographiert, sodass sie aus einer kleinen grünen Insel in das strahlende Blau des Himmels zu streben scheinen. jz

Kunst im öffentlichen Raum

Nichts kann so unsichtbar machen – wie die Öffentlichkeit. Man kommt ständig an Kunst im öffentlichen Raum vorbei und schert sich nicht darum. Es fehlt der institutionelle Rahmen eines Museums, in dem es gelingt, sogar Gegenstände des alltäglichen Gebrauchs zu Meisterwerken der Kunst zu erheben, es fehlt meist auch der besondere Anlass, den der Besuch eines Museums darstellt.

Bei mir selbst – mit all meiner Neugierde auf Kunst und ausgestattet mit allerhand bildungsbürgerlichem Rüstzeug – machte sich meist ein Gefühl der Hilflosigkeit, oft auch einfach Gleichgültigkeit breit, wenn ich vor einem Kunstwerk im öffentlichen Raum zu stehen kam. Auch in jenen Fällen, in denen ich mich dem Objekt durchaus absichtsvoll genähert hatte …

Die Lage in der Öffentlichkeit ist für die Kunstbetrachtung und die Reflexion auf Kunst offensichtlich eine grosse Hürde: Ist das Kunstwerk vom Lärm und Gewimmel des Lebens bedrängt, wirk es zumeist tot und überflüssig, bestenfalls dekorativ. Dabei bietet sich bei der Kunst im öffentlichen Raum – im Gegensatz zum Museum – die Chance, Kunst und Alltag ganz direkt miteinander in Beziehung zu setzen und beide Instanzen durch die jeweils andere neu wahrzunehmen. Nur fällt das schwer. Zu einem guten Teil mag es daran liegen, dass das Blickfeld des menschlichen Auges zu weit ist und man im öffentlichen Raum kaum anders kann, als Blick und Aufmerksamkeit beständig schweifen zu lassen.

Mir gelingt die Erfahrung von Kunstwerken im öffentlichen Raum erst, seit ich es das erste Mal mit der Spiegelreflexkamera versucht habe. Die Wahrnehmung verändert sich im Blick durch den Sucher radikal. Das Blickfeld lässt sich nun einschränken und es fällt bedeutend leichter, den Blick auf einen Gegenstand zu fixieren. Auch ist das Fotographieren eine viel spezifischere Tätigkeit als das blosse Betrachten. Die Produktion von Bildern ist eine Mission, auf die man sich ganz und gar konzentrieren muss. Es gilt die fotographischen Gestaltungsmittel einzusetzen, um Bildwirkungen zu erzielen. Das macht den gestalterischen, den künstlerischen Akt, der eigentlich jedem Blick innewohnt, wieder bewusst.

Auch hat der Fotoapparat einen quasi-musealen Effekt. Nicht, indem er Kunst und Alltag räumlich trennt, vielmehr indem er bewirkt, dass die gesamte öffentliche Umgebung nicht mehr als die eigene Lebenswelt empfunden wird. Alles Sichtbare verwandelt sich beim Blick durch das Okular in potentielle Bildspender, alles bietet sich als Form, Farbe und Metapher an, der Gegensatz von Kunst und Alltag besteht plötzlich nur noch in der Differenz zweier Meta-Ebenen. Die Fotographie wird selbst zum Kunstwerk, indem sie diese Differenz immer wieder neu entdeckt und sie zum Vorschein bringt. jz

Der Sportler

Der Helene-Weigel-Platz im ehemals berüchtigten Stadtteil Marzahn ist selbst in der vielgestaltigen Stadtlandschaft Berlins ein besonderer Ort mit einer ganz eigenen Atmosphäre. Hier steht von spärlicher Begrünung umgeben, zwischen Plattenbauten und einer Einkaufspassage – und vor allem: vor der Fassade des alten Rathauses von Marzahn die Bronzefigur „Der Sportler“ aus der Figurengruppe des Brunnens der Generationen (1990) von Rolf Biebl. Sie hat es mir besonders angetan: Es handelt sich um die Gestalt eines Motorradfahrers, der seine Maschine abgestellt hat und nun in rennender Bewegung eingefroren ist.

Die Figur ist nicht besonders gross, je nach Blickwinkel kann sie zwischen den prägnanten Gebäuden der Umgebung etwas verloren wirken. Aber sie ermöglicht es doch, den Platz auf unterschiedliche Weise zu verstehen.

Das Bild „Die Ankunft“ zeigt nur die Helm- und Schulterpartie der Figur. Es lässt etwas von der Dynamik der Bewegung erahnen – dass die Gestalt gerade rennt, wird jedoch nicht bewusst. Dieses Bild blendet die Umwelt komplett aus und verbeugt sich vor der künstlerischen Durchgestaltung dieses Werks. Dabei profitiert es zusätzlich von den Spuren der Zeit, die der dunklen Erscheinung einige kleine Farbtupfer hinzugefügt haben, sowie von den besonderen Lichtverhältnissen am Tag der Aufnahme, als die Stadt unter einer dünnen Wolkendecke lag, die zwar viel Licht hindurchliess, aber keine direkte Sonnenbestrahlung. So zeigt sich die Gestalt des Sportlers von diffusem Licht umflossen und die Struktur ihrer Oberfläche lässt sich in allen Details wahrnehmen.

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Hand und Fuss

„Hand und Fuss“ isoliert zwei andere Teile der Figur für den Betrachter, der wahre Star des Bildes ist aber – wenn auch in die Unschärfe gesetzt – die spektakuläre Fassade des alten Rathauses von Marzahn. Kaum war das Gebäude 1988 fertiggestellt, kam die Wende, die Geschichte rannte an der Fassade vorbei und bald war die ursprüngliche Bestimmung dieser DDR-Architektur hinfällig geworden.

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Kein Entrinnen

Die rennende Haltung des „Sportlers“ wird auch vom Bild „Kein Entrinnen“ aufgegriffen: Indem die Figur hier von hinten gesehen wird, scheint es sich plötzlich um eine Fluchtbewegung zu handeln. Blickwinkel und Bildausschnitt sind allerdings so gewählt, dass kein Fluchtweg sichtbar ist, die Bewegung scheint zwangsläufig in einer Ecke enden zu müssen, die von zwei Gebäudeteilen eines grossen Plattenbaus gebildet wird. Dem durchorganisierten Leben ist nicht zu entkommen.

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Invasion

Ganz anders der Eindruck, den das Bild „Invasion“ vermittelt. Gross, fremd, futuristisch und bedrohlich wirkt die Figur hier, wie ein Alien, ein Eroberer aus einer fernen Welt, dem die Erdenbewohner – seriell übereinandergestapelt in ihren dürftigen Wohnhochhäusern – gewisslich nichts werden entgegensetzen können.

Eine Gemeinsamkeit der besprochenen Bilder ist, dass sie die zahlreichen wirklichen Menschen, die in dieser Zeit den Platz überquerten oder um ihn herum sassen, ausblenden. Dies soll dazu beitragen, die Figur im Auge des Betrachters zum Leben zu erwecken und sie nicht als starres Kunstwerk inmitten eines lebendigen Treibens darzustellen.

Die vier Schwarzweissbilder, die diesen Beitrag abschliessen, zeigen – ohne ästhetischen Ehrgeiz – etwas mehr von der Einbettung der Figur in die Anlage des Helene-Weigel-Platzes. jz

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